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Gestylte Marker: Wie bekomme ich springende Marker mit Positionspunkten?


Ich möchte wichtige Stellen mit größeren Markierungen (Zeiger mit Gabeln) und kleinere Stellen mit normalen Markierungen (farbige Punkte) markieren. Ich möchte, dass große Marker beim Schweben abprallen. So erzielen Sie diesen Effekt in Google Maps oder mit Leaflet.


Wenn Sie Ihre drei Aufgaben einzeln erledigt haben, werde ich nicht darauf eingehen, wie Sie sie erreichen. Um sie zusammenzubringen, ist Ihre beste Wahl eine Karte mit zwei verschiedenen Vektorebenen. Speichern Sie die kleinen Punkte im ersten und die Markierungen im zweiten. Dann weise a . zuMouseoverEreignis auf die zweite Ebene mit einer Funktion, um es zu animieren.

Das Erstellen der Animation in Google Maps ist für die Animationsfunktion, die die API bietet, recht einfach, wie @phloem im Kommentarbereich darauf hingewiesen hat.

Ich verwende die Google Maps API nicht, da sie egoistisch ist (externe Quellen nicht unterstützt) und nicht FOSS, daher zeige ich in Leaflet, wie Sie Ihr Ziel erreichen können:

In Leaflet können Sie das BounceMarker-Plugin von Maxime Hadjinlian verwenden: http://jsfiddle.net/GFarkas/3tac6ckp/.

Dieses Plugin neigt dazu, fehlerhaft zu sein, wenn Sie Ihre Maus mehrmals sehr schnell über einen Marker ziehen, daher ist es am besten geeignet, wenn Sie es nur mit einemhinzufügenoderklickenVeranstaltung.

Es gibt eine Möglichkeit, das Intervall zu regulieren, das als Bounce-Effekt bezeichnet werden kann. In dieser Geige habe ich zwei Date()-Variablen erstellt, die den Bounce-Effekt nicht häufiger als 501 Millisekunden zulassen. Sie können dieses Intervall beliebig hoch oder niedrig einstellen, es lohnt sich jedoch, es etwas länger als die Dauer der Bounce-Animation einzustellen, damit die Benutzer nicht bemerken, dass sie einen Marker in einem bestimmten Intervall noch nicht hüpfen können Die Animation kann abgespielt werden, sodass keine Störungen auftreten:

var then = neues Datum(); for (var i = 0; i < largePoints.features[0].geometry.coordinates.length; i++) { marker.push(L.marker([largePoints.features[i].geometry.coordinates[1], largePoints. features[i].geometry.coordinates[0]])); marker[i].addTo(map); marker[i].on('mouseover', function () { var now = new Date(); if (then.getTime()+510 < now.getTime()) { this.bounce({duration: 500, height : 100}); dann = neues Datum(); } }) }

Erstellen eines Daten-Overlays mit Mapbox

Nachdem Sie nun ein Gefühl für die Mapbox-Umgebung bekommen haben, versuchen wir es mit etwas Komplexerem, bei dem Sie den Mapbox-Stil ändern, thematische Daten von Grund auf neu erstellen und das Ergebnis in einer Webbrowser-Umgebung statt in ArcMap anzeigen.

Angenommen, Sie sind für die Erstellung einer Website verantwortlich, auf der die fünf besten Restaurants in Ihrer Stadt angezeigt werden (mit Ihnen und nur Ihnen als Preisrichter). Sie möchten schnell eine Karte erstellen, die Sie in eine Website einbetten können, aber da Sie ein wählerischer Kartograph sind, möchten Sie die volle Kontrolle über den Kartenstil haben. Lassen Sie uns dies mit Mapbox tun, indem wir zuerst eine Grundkarte entwerfen und dann Daten hinzufügen, um die fünf interessanten Restaurants darzustellen.

  1. Klicken Sie in Mapbox Studio auf das Stile Menü und erstellen Sie ein Neuer Stil Verwendung der Frühling Variation der Basic Vorlage.
  2. Erstellen Sie einen Namen für Ihren Stil, z. B Geog865Base.
  3. Vergrößern Sie Ihr Bundesland und klicken Sie auf einen grünen Bereich (der Wald- oder Parkland darstellt). Wählen Sie dann den Layernamen aus, der wahrscheinlich so lautet: Land & Wasser… Ein zusätzliches Menü sollte erscheinen, in dem Sie den Stil dieser Funktion ändern können, einschließlich der Farbe.

Sie sind mit der Bearbeitung Ihrer Grundkarte vorerst fertig. Sie müssen Ihre Arbeit nicht speichern, während Mapbox Studio dies getan hat. Lassen Sie uns nun die Restaurants eingeben.

  1. Klicken Sie oben links in Mapbox Studio auf das Mapbox , um zur Hauptseite von Studio zurückzukehren, und wählen Sie dann das Datensätze Speisekarte.
  2. Klicken Neuer Datensatz.
  3. Geben Sie den Namen ein Die fünf besten Restaurants, und klicke Erstellen.
  4. Vergrößern Sie einen Ort, den Sie gut kennen (z. B. Ihre Stadt), und klicken Sie auf das umgedrehte Tropfensymbol, um einen Punkt zu zeichnen.
  5. Klicken Sie auf die Karte am Standort Ihres Lieblingsrestaurants. Ein oranger Punkt sollte erscheinen. (Wenn Sie Hilfe bei der Suche benötigen, verwenden Sie eine andere Karte als Referenz oder ändern Sie den Hintergrundstil in eine der Mapbox-Satellitenkarten).

Als Nächstes wenden Sie Ihren eigenen Stil auf die Symbole an und fügen einige Beschriftungen hinzu. Sie erhalten dann eine Vorschau Ihrer Karte in einem Webbrowser.

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, diese Restaurantpunkte zu symbolisieren. Eine Möglichkeit könnte ein kleines Symbol in Form einer skalierbaren Vektorgrafik (SVG)-Datei sein. Mapbox bietet einen schönen Satz dieser SVG-Symbole namens Maki.

Eine andere Möglichkeit besteht darin, einfach einen einfachen Marker wie einen Kreis zu verwenden. Wir verfolgen diesen Ansatz, fügen aber auch ein Label aus einigen der Informationen hinzu, die wir in die Restaurantfelder eingegeben haben. Die Restaurantpunkte und die Beschriftungen werden in der Karte als separate Ebenen behandelt. Folge diesen Schritten:

    Anzeigen Ihres Geog865Basiskarte Ändern Sie in Mapbox Studio das Kreissymbol der Top-Five-Restaurants in eine Farbe und Kontur, die Ihnen gefällt.


Es ist ein redaktionelles Zeichen, das vom Redaktionskomitee für die Ausgabe bereitgestellt wird. Die Absatzmarkierungen für die neueren KJV-Studienbibeln sind in der Regel gleich, einige weichen jedoch von den Absatzumbrüchen der autorisierten KJV von 1611 ab.

Die Genfer Bibel von 1599 war die erste, die die Verse nummerierte, und jeder Vers war ein eigener Absatz.

„Die Genfer Bibel war die erste englische Bibel, die sowohl moderne Kapitel- als auch Verseinteilungen für die gesamte Bibel verwendet. Die Verse des Neuen Testaments in der Genfer Bibel folgten den Verseinteilungen von Estiennes griechischem Neuen Testament von 1551. Jeder Vers war ein neuer Absatz.“ Quelle: hier.

Das ¶-Zeichen wird in der 1599 GNV in größeren Textabschnitten eingefügt, um eine Unterbrechung der Aktivität oder des Denkens anzuzeigen. Es ist ein Produkt des Redaktionskomitees.

Dies wurde zu einem Standard für die Verwendung in nachfolgenden Übersetzungen, aber jedes Redaktionskomitee traf seine eigene Entscheidung. Die Absatzumbrüche in der KJV stimmen manchmal mit denen der 1599 GNV überein, weichen aber häufig ab.

Die Interpunktion wurde in schriftlichen Dokumenten um das 3. Jahrhundert v. Chr. eingeführt, um dem Redner Anregungen für Atempausen zu geben, und begann schließlich, andere Zeichen für die Tonqualität wie Ausrufezeichen und Fragezeichen aufzunehmen. Die Noten waren eine Ergänzung des schriftlichen Textes des Redners, um das öffentliche Sprechen zu erleichtern.

„Die Bedeutung, die der Interpretation eines Textes durch den einzelnen Leser beigemessen wurde, war in der Tat so groß, dass kein einziges erhaltenes Manuskript vor dem Mittelalter gefunden wurde, das nur dann in der eigenen Hand des Autors interpunktiert wurde10, wenn ein Leser einen Text vorbereitete, um laut vorgetragen würde es als solches kommentiert werden." Quelle: Pilcrow Teil 1

Insgesamt scheint das Einsetzen der Pilcrow von jedem Übersetzungskomitee unabhängig zu bestimmen.

Die Pilcrow (¶) hat eine interessante Geschichte und wurde nach und nach aus der Kapitell von Mönchen verwendet, um neue Kapitel zu markieren und später für neue Absätze oder Satzmarkierungen verwendet, wie der Schreiber / Schreiber für angemessen hielt.

"Zuerst nur zum Markieren von Kapiteln verwendet, begann es, Texte als Absatz oder sogar Satzmarker zu pfeffern, so dass es einen Fließtextblock nach Belieben des Autors in sinnvolle Abschnitte aufteilte. ¶ Dieser Stil von Verwendung ergab sehr kompakten Text,19 vielleicht in Anlehnung an die noch junge Praxis von scriptio weiter. Letztendlich überwog das Konzept des Absatzes jedoch das Bedürfnis nach Effizienz und wurde so wichtig, dass eine neue Zeile gerechtfertigt war† – natürlich mit einem vorangestellten Pilcrow, um es einzuführen." Quelle: Pilcrow Teil 2

Eine interessante Anmerkung ist, dass die letzte Pilcrow der englischen Übersetzungen in Apostelgeschichte 20:36 vorkommt. Einige haben spekuliert, dass den ursprünglichen Schriftsetzern die Pilcrows ausgegangen sind und sie im Rest der Bibel nicht verwendet werden könnten. Andere haben in den Briefen und in der Offenbarung einige göttliche Eingriffe in die eingestellte Verwendung festgestellt. Siehe "Das letzte Absatzzeichen" hier.

Es ist wahrscheinlicher, dass die Briefe so kurz waren, dass die Verse als Leerzeichen und Absatzumbrüche ausreichten. Aber ich habe in keiner meiner KJVs eine Absatzmarkierung in der Offenbarung gefunden.

Zusätzliche Quellenangaben zur Nichtverwendung des Pilcrow in gedruckter Form: Pilcrow Teil 3


  1. Klicken Sie oben links auf das Symbol "Hamburger":
  2. Klicken Sie auf Satellit (das zweite Element des Menüs), um den Satellitenmodus einzuschalten, wenn er noch nicht eingeschaltet ist
  3. Klicken Sie unter Sattellite auf Labels. Es ändert sich danach zu Labels off
  4. Genießen!

  1. Klicken Sie auf das Menüsymbol in der oberen linken Ecke
  2. Aktiviere den Earth-Modus (erster Menüpunkt im Menü), wenn er nicht aktiviert ist
  3. Klicken Sie auf Etiketten auf . Es ändert sich danach zu Labels off
  4. Genießen!

Beschwerden über das Fehlen einer solchen Funktion (ich denke, vielleicht auf der 'Erde' als Satellit) sind erst kürzlich aufgetreten, daher denke ich, dass es noch keine einfache Möglichkeit gibt, die Beschriftungen zu entfernen. Es gibt jedoch diesen Rat von John Mee vom 24. Juni (vermutlich 2014):

Entweder:

a) Klicken Sie auf den neuen Karten auf "?" und wählen Sie "zurück zu den alten Google Maps". Auf den alten Karten im "map/traffic"-Widget oben rechts auf der Seite können Sie "labels" deaktivieren. Klicken Sie in der linken Seitenleiste auf "Jetzt abrufen", um zum neuen Google Maps zurückzukehren (oder die Benachrichtigung "erinnere mich an alte Karten" zu "verwerfen" und den Browser zu schließen/erneut zu öffnen.

Alternative

b) Installieren Sie Google Earth und deaktivieren Sie alle "Ebenen"

Ich habe dies nicht getestet, aber es scheint mehr positiv als negativ bewertet worden zu sein.


Aktivität 2. Geschichten erzählen: Den Ältesten der Aborigines zuhören

Bitten Sie die Schüler, über etwas nachzudenken, das sie möglicherweise von ihren Eltern oder ihren Lehrern durch ein Lied oder eine Geschichte gelernt haben. Haben sie ihr ABC aus einem Lied gelernt? Oder haben sie das Zählen anhand eines Reims gelernt (wie eins, zwei, schnalle meinen Schuh usw.)? War es einfacher, ihr ABC zu lernen, indem man ein Lied dazu lernte?

Lassen Sie die Schüler über den Weg von ihrem Zimmer zu Hause in die Küche (oder von zu Hause in die Schule) nachdenken. Wie würden sie es jemand anderem erklären, wie man von einem Zimmer zum nächsten kommt? Auf welche Orientierungspunkte würden sie der anderen Person sagen, auf die sie achten soll? Die Schüler könnten Dinge sagen wie "Gehen Sie am Zimmer meines Bruders vorbei und biegen Sie dann rechts ab". Aber wie soll jemand, der sein Haus nicht kennt, wissen, wann er am Zimmer seines Bruders vorbeigekommen ist? Wie werden sie es jemandem erklären, der ihnen nicht vertraut ist, damit sie dieses Wahrzeichen erkennen und sich daran erinnern können? Könnten sie eine Geschichte über das Wahrzeichen erzählen, die ihnen helfen könnte, sich zu erinnern? Welche Geschichte würden sie jemandem erzählen, damit sie sich an die Wahrzeichen erinnern können? Die Schüler könnten zum Beispiel Geschichten über die Poster an der Tür ihres Bruders erzählen, wie zum Beispiel erklären, dass er sie bei einem Konzert bekommen hat.

In vielen Geschichten der Aborigines sind genau diese Informationen eingebettet. Neben der Vermittlung von Informationen über die Landschaft erklären viele Aborigine-Geschichten Naturphänomene wie die Besonderheiten der Tiere und Pflanzen Australiens. Schließlich sind viele Geschichten der Aborigines dazu gedacht, Lehren über Moral, Ethik und richtiges Verhalten zu vermitteln. Fragen Sie die Schüler, ob sie jemals eine Geschichte gehört haben, die eine Moral hatte? Sie könnten eine Fabel identifizieren, wie eine von Aesops Fabeln oder ein Märchen.

Der vielleicht beste Ort, um etwas über das Geschichtenerzählen der Aborigines zu lernen, ist das Konzept von Traumzeit. Aborigines glauben an eine Zeit namens Dreamtime, in der das Land, der Himmel darüber und alles, was sie enthielten, durch die Handlungen unbekannter, übernatürlicher Wesen geformt wurden. Dreamtime ist der Anfang aller Dinge, und es gibt zahlreiche Geschichten der Aborigines, die die Entstehung der australischen Geographie mit den Handlungen von Tieren, Geistern und Menschen in der Dreamtime verbinden. Sie können damit beginnen, die Informationen zu Dreamtime zu teilen, die über die von EDSITEment geprüfte Website Native Web verfügbar sind. Arbeiten Sie mit der Klasse zusammen, um eine Definition für die Idee von Dreamtime zu erstellen. Eine Arbeitsdefinition könnte sein: Die Zeit, in der nach den Aborigines die Welt geformt wurde und alle Dinge entstanden.

Nachdem die Schüler nun etwas über das Konzept von Dreamtime gelernt haben, sind sie bereit, etwas über das Geschichtenerzählen der Aborigines zu lernen und einige Geschichten über Dreamtime zu hören. Beginnen Sie mit einer Einführung in das Geschichtenerzählen der Aborigines von Tante Beryl Carmichael mit dem Titel Why the Stories are Told. Diese ist sowohl als Audio- als auch als Textdatei auf dieser Webseite verfügbar, die über Native Web zugänglich ist. Wenn Sie und Ihre Klasse mit der Erklärung, warum Geschichten erzählt werden, fertig sind, können Sie einige Geschichten hören, die von Geschichtenerzählern der Aborigines erzählt werden. Sie können aus den hier aufgeführten Geschichten als Audio- und Textdateien wählen.

Hinweis: Wenn Sie die Audiodateien herunterladen können, können Ihre Schüler die Geschichten der Aborigines, die die Geschichten mit ihrer eigenen Stimme erzählen, hören, um etwas von der Kultur der Aborigines hautnah zu erleben. Der Akzent der Geschichtenerzähler wird jedoch den meisten Ihrer Schüler wahrscheinlich unbekannt sein, was es für sie schwierig macht, alles in der Geschichte sofort zu verstehen. Vielleicht möchten Sie der Klasse einige der Geschichten aus den bereitgestellten Texten vorlesen. Es ist auch wichtig, die Schüler darauf hinzuweisen, dass sich das Geschichtenerzählen als Praxis im Laufe der Zeit verändert hat und dass sie darauf achten sollten, dass diese Geschichten jetzt auf Englisch statt in einer Sprache der Aborigines erzählt werden. Dies könnte den Schülern helfen zu verstehen, dass die Praxis des Geschichtenerzählens zwar eine alte ist, sich aber auch mit dem Leben der Aborigines historisch und im zeitgenössischen Leben weiterentwickelt hat.

Möglicherweise müssen Sie ein Programm mit Geschichten zum Anhören erstellen, das den zeitlichen Beschränkungen Ihrer Klasse entspricht. Eine Auswahl verschiedener Arten von Geschichten kann den Schülern eine gute Auswahl an Stilen und Techniken des Geschichtenerzählens bieten. Sie können die folgenden vier Geschichten für eine Reihe von Stilen in Betracht ziehen:

    . Diese Geschichte wird Ihnen dabei helfen, Ihren Schülern Dreamtime vorzustellen. . Diese Geschichte gibt erklärenden Hintergrund zu geographischen Formationen. . Diese Geschichte enthält eine klare Lektion in moralischem Verhalten. . Die Geschichte erklärt die physischen Eigenschaften von Wal, Koala und Seestern.

Nachdem Sie sich jede Geschichte angehört haben, bitten Sie die Schüler, die Hauptfiguren in der Erzählung zu identifizieren. Verwenden Sie dann die folgenden Fragen, um eine Klassendiskussion zu leiten:

  • Sind die Hauptfiguren Menschen? Sind es Tiere? Sind es Geister?
  • Sind die Charaktere in der Geschichte spezifisch für Australien? Können die Schüler die Tiere in der Geschichte aus der Liste der australischen Tiere aus der vorherigen Aktivität identifizieren?
  • Was sind die wichtigsten Ereignisse in der Geschichte?
  • Hat die Geschichte den Zuhörern etwas über die Landschaft, Pflanzen oder Tiere in Australien beigebracht?
  • Hat die Geschichte eine Lektion erteilt? Was für ein Unterricht?
  • Was ist die Moral der Geschichte?

Ein wichtiger Aspekt des Geschichtenerzählens der Aborigines ist, dass die Geschichten eine Art Eigentum sind und nur einige Leute – diejenigen, die die Geschichte „besitzen“ – die Geschichte erzählen dürfen. Die Personen oder Gemeinschaften, denen die Geschichte gehört, tragen die Verantwortung dafür: Sie sind dafür verantwortlich, sich um die Geschichte zu kümmern und sie an die nächste Generation weiterzugeben. Außerdem gibt es bestimmte Geschichten, die man nicht hören sollte, es sei denn, sie gehören der Gemeinschaft, der sie gehört. Dies ist ein Aspekt des Geschichtenerzählens, der sich sehr von dem unterscheidet, was Schüler wahrscheinlich gewohnt sind, und der ein wichtiger Teil der Kultur der Aborigines ist. Sie können dieses Problem bei den Schülern ansprechen, indem Sie darauf hinweisen, dass es auf vielen Websites einen Haftungsausschluss gibt, der erklärt, dass die Verwalter der Geschichte ihre Erlaubnis zur Veröffentlichung auf der Website erteilt haben, und die Zuschauer warnt, dass die Geschichten so enthalten sind dass Aborigines, die sie nicht hören oder sehen dürfen, sie nicht zufällig sehen.


Inhalt

  • Künstlerische Kreativität oder expressiver Individualismus: Insbesondere in der westafrikanischen Kunst ist der expressive Individualismus bei gleichzeitiger Beeinflussung durch das Werk der Vorgänger weit verbreitet. Ein Beispiel wäre die Dan-Kunst sowie ihre Präsenz in der westafrikanischen Diaspora. [13] [14]
  • Betonung der menschlichen Figur: Die menschliche Figur war schon immer das Hauptthema der meisten afrikanischen Kunst, und diese Betonung beeinflusste sogar bestimmte europäische Traditionen. [9] Zum Beispiel trieb Portugal im 15. Jahrhundert Handel mit der Sapi-Kultur in der Nähe der Elfenbeinküste in Westafrika, die kunstvolle Salzstreuer aus Elfenbein schuf, die Hybriden afrikanischer und europäischer Designs waren, vor allem in Verbindung mit der menschlichen Figur (der menschlichen Figur tauchten normalerweise nicht in portugiesischen Salzkellern auf). Die menschliche Figur kann Lebende oder Tote symbolisieren, sich auf Häuptlinge, Tänzer oder verschiedene Berufe wie Trommler oder Jäger beziehen oder sogar eine anthropomorphe Darstellung eines Gottes sein oder eine andere Votivfunktion haben. Ein weiteres gemeinsames Thema ist die Intermorphose von Mensch und Tier.
  • Visuelle Abstraktion: Afrikanische Kunstwerke bevorzugen die visuelle Abstraktion gegenüber der naturalistischen Darstellung. Dies liegt daran, dass viele afrikanische Kunstwerke stilistische Normen verallgemeinern. [fünfzehn]

Das Studium der afrikanischen Kunst konzentrierte sich bis vor kurzem auf die traditionelle Kunst bestimmter bekannter Gruppen des Kontinents, mit einem besonderen Schwerpunkt auf traditionelle Skulpturen, Masken und andere visuelle Kultur aus dem nicht-islamischen Westafrika, Zentralafrika und dem südlichen Afrika mit einem besonderes Augenmerk auf das 19. und 20. Jahrhundert. In jüngster Zeit gab es jedoch eine Bewegung unter afrikanischen Kunsthistorikern und anderen Wissenschaftlern, die visuelle Kultur anderer Regionen und Epochen einzubeziehen. Die Idee ist, dass durch die Einbeziehung aller afrikanischen Kulturen und ihrer visuellen Kultur im Laufe der Zeit in Afrikanische Kunst, wird es ein besseres Verständnis der visuellen Ästhetik des Kontinents im Laufe der Zeit geben. Schließlich werden auch die Künste der Menschen der afrikanischen Diaspora in Brasilien, der Karibik und im Südosten der Vereinigten Staaten in das Studium der afrikanischen Kunst einbezogen.

Afrikanische Kunst hat viele Formen und besteht aus vielen verschiedenen Materialien. Die meisten afrikanischen Kunstwerke sind Holzskulpturen, wahrscheinlich weil Holz ein sehr weit verbreitetes Material ist. Schmuck ist eine beliebte Kunstform und wird verwendet, um Rang, Zugehörigkeit zu einer Gruppe oder rein aus ästhetischen Gründen anzuzeigen. [16] Afrikanischer Schmuck wird aus so unterschiedlichen Materialien wie Tigerauge, Hämatit, Sisal, Kokosnussschale, Perlen und Ebenholz hergestellt. Skulpturen können aus Holz, Keramik oder aus Stein gemeißelt sein, wie die berühmten Shona-Skulpturen [17] und verzierte oder geformte Keramik kommt aus vielen Regionen. Es werden verschiedene Arten von Textilien hergestellt, darunter Chitenge, Schlammtuch und Kente-Tuch. Mosaike aus Schmetterlingsflügeln oder farbigem Sand sind in Westafrika beliebt. Frühe afrikanische Skulpturen können aus Terrakotta und Bronze identifiziert werden. [18]

Traditionelle afrikanische Religionen haben die afrikanischen Kunstformen auf dem ganzen Kontinent extrem beeinflusst. Afrikanische Kunst entstammt oft den Themen religiöser Symbolik, Funktionalismus und Utilitarismus, und viele Kunstwerke werden eher für spirituelle als für rein kreative Zwecke geschaffen. Viele afrikanische Kulturen betonen die Bedeutung der Vorfahren als Vermittler zwischen den Lebenden, den Göttern und dem höchsten Schöpfer, und die Kunst wird als eine Möglichkeit angesehen, diese Geister der Vorfahren zu kontaktieren. Kunst kann auch zur Darstellung von Göttern verwendet werden und wird für ihre funktionalen Zwecke geschätzt. [ Zitat benötigt ] Es ist jedoch wichtig anzumerken, dass sowohl das Christentum als auch der Islam die Kunst des afrikanischen Kontinents stark beeinflusst haben und die Traditionen beider in den Glauben und die Kunstwerke der traditionellen afrikanischen Religion integriert wurden. [19]

Die Ursprünge der afrikanischen Kunst liegen lange vor der aufgezeichneten Geschichte. Die ältesten bekannten Perlen der Region wurden aus Nassarius Muscheln und vor 72.000 Jahren als persönlicher Schmuck getragen. [4] In Afrika gibt es vor etwa 100.000 Jahren Beweise für die Herstellung von Farben in einem komplexen Verfahren [5] und für die Verwendung von Pigmenten vor etwa 320.000 Jahren. [6] [20] Afrikanische Felskunst in der Sahara im Niger bewahrt 6000 Jahre alte Schnitzereien. [21] Zusammen mit Subsahara-Afrika trugen auch die westliche Kulturkunst, altägyptische Gemälde und Artefakte und das einheimische Kunsthandwerk des Südens stark zur afrikanischen Kunst bei. Die Kunst, die oft die Fülle der umgebenden Natur darstellte, war oft abstrakte Interpretationen von Tieren, Pflanzen oder natürlichen Designs und Formen. Das nubische Königreich Kush im modernen Sudan stand in engem und oft feindlichem Kontakt mit Ägypten und produzierte monumentale Skulpturen, die meist aus Stilen stammten, die nicht nach Norden führten. In Westafrika stammen die frühesten bekannten Skulpturen aus der Nok-Kultur, die zwischen 1.500 v. Chr. und 500 n. Chr. Im modernen Nigeria gedieh, mit Tonfiguren mit typischerweise länglichen Körpern und eckigen Formen. [22]

Komplexere Methoden der Kunstproduktion wurden in Afrika südlich der Sahara um das 10 Steine, wurden in weiten Teilen Westafrikas hoch angesehen und waren manchmal auf die Arbeit von Hofhandwerkern beschränkt und wurden mit dem Königtum identifiziert, wie mit den Benin-Bronzen.

Während und nach der Kolonialzeit des 19. und 20. Jahrhunderts bezeichneten Westler die afrikanische Kunst lange als "primitiv". Der Begriff trägt negative Konnotationen von Unterentwicklung und Armut. Die Kolonialisierung im 19. Jahrhundert begründete ein westliches Verständnis, das von der Überzeugung abhing, dass der afrikanischen Kunst aufgrund ihres niedrigen sozioökonomischen Status die technischen Fähigkeiten fehlen.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts veröffentlichten Kunsthistoriker wie Carl Einstein, Michał Sobeski und Leo Frobenius wichtige Werke zu diesem Thema, die der afrikanischen Kunst den Status eines ästhetischen Objekts, nicht nur eines ethnographischen Objekts, verliehen. [23] Gleichzeitig wurden Künstler wie Paul Gauguin, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, Henri Matisse, Joseph Csaky und Amedeo Modigliani unter anderem auf afrikanische Kunst aufmerksam und von ihr inspiriert. [9] In einer Situation, in der die etablierte Avantgarde gegen die Zwänge des Dienstes an die Welt des Scheins kämpfte, demonstrierte die afrikanische Kunst die Macht überragend organisierter Formen, die nicht nur durch Reaktion auf das Sehvermögen, sondern auch durch oft in erster Linie die Vorstellungskraft, Emotion und mystische und religiöse Erfahrung. Diese Künstler sahen in der afrikanischen Kunst eine formale Perfektion und Raffinesse, vereint mit einer phänomenalen Ausdruckskraft. Das Studium und die Reaktion auf afrikanische Kunst durch Künstler zu Beginn des 20. Dadurch wurde der Status der bildenden Kunst verändert. Kunst war nicht mehr nur und primär ästhetisch, sondern wurde auch zu einem wahren Medium des philosophischen und intellektuellen Diskurses und damit wahrhaftiger und zutiefst ästhetisch denn je. [24]

Traditionelle Kunst beschreibt die beliebtesten und am meisten studierten Formen afrikanischer Kunst, die typischerweise in Museumssammlungen zu finden sind.

Holzmasken, die entweder von Menschen, Tieren oder legendären Kreaturen sein können, sind eine der am häufigsten vorkommenden Kunstformen in Westafrika. In ihrem ursprünglichen Kontext werden zeremonielle Masken für Feiern, Initiationen, Ernten und Kriegsvorbereitungen verwendet. Die Masken werden von einem ausgewählten oder eingeweihten Tänzer getragen. Während der Maskenzeremonie verfällt der Tänzer in tiefe Trance und "kommuniziert" in diesem Zustand mit seinen Vorfahren. Die Masken können auf drei verschiedene Arten getragen werden: vertikal das Gesicht bedeckend: als Helm, der den gesamten Kopf umhüllt, und als Kamm, der auf dem Kopf ruht, der üblicherweise als Teil der Verkleidung mit Material bedeckt war. Afrikanische Masken stellen oft einen Geist dar und es wird stark angenommen, dass der Geist der Vorfahren den Träger besitzt. Die meisten afrikanischen Masken bestehen aus Holz und können verziert werden mit: Elfenbein, Tierhaaren, Pflanzenfasern (wie Bast), Pigmenten (wie Kaolin), Steinen und Halbedelsteinen sind ebenfalls in den Masken enthalten.

Statuen, meist aus Holz oder Elfenbein, sind oft mit Kaurimuscheln, Metallnieten und Nägeln eingelegt. Auch dekorative Kleidung ist alltäglich und umfasst einen weiteren großen Teil der afrikanischen Kunst. Zu den komplexesten afrikanischen Textilien gehört das farbenfrohe, streifengewebte Kente-Tuch aus Ghana. Kühn gemusterter Schlamm ist eine weitere bekannte Technik.

Afrika ist die Heimat einer blühenden zeitgenössischen Kunstkultur. Dies wurde bis vor kurzem zu wenig beachtet, da Gelehrte und Kunstsammler den Schwerpunkt auf traditionelle Kunst legten. Bemerkenswerte moderne Künstler sind El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nel, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe, Lubaina Himid, Bili Bidjocka und Henry Tayali. Kunstbiennalen finden in Dakar (Senegal) und Johannesburg (Südafrika) statt. Viele zeitgenössische afrikanische Künstler sind in Museumssammlungen vertreten und ihre Kunst kann bei Kunstauktionen zu hohen Preisen verkauft werden. Trotzdem fällt es vielen zeitgenössischen afrikanischen Künstlern schwer, einen Markt für ihre Werke zu finden. Viele zeitgenössische afrikanische Künste leihen sich stark von traditionellen Vorgängern. Ironischerweise wird diese Betonung der Abstraktion von Westlern als Imitation europäischer und amerikanischer kubistischer und totemistischer Künstler wie Pablo Picasso, Amedeo Modigliani und Henri Matisse angesehen, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts stark von der traditionellen afrikanischen Kunst beeinflusst wurden. Diese Periode war entscheidend für die Entwicklung der westlichen Moderne in der bildenden Kunst, symbolisiert durch Picassos bahnbrechendes Gemälde Les Demoiselles d'Avignon. [25]

Heute gilt Fathi Hassan als einer der bedeutendsten frühen Vertreter der zeitgenössischen schwarzafrikanischen Kunst. Zeitgenössische afrikanische Kunst wurde in den 1950er und 1960er Jahren in Südafrika von Künstlern wie Irma Stern, Cyril Fradan, Walter Battiss und durch Galerien wie die Goodman Gallery in Johannesburg Pionierarbeit geleistet. In jüngerer Zeit haben europäische Galerien wie die October Gallery in London und Sammler wie Jean Pigozzi, [26] Artur Walther [27] und Gianni Baiocchi in Rom dazu beigetragen, das Interesse an diesem Thema zu steigern. Zahlreiche Ausstellungen im Museum for African Art in New York und im African Pavilion auf der Biennale in Venedig 2007, in dem die Sindika Dokolo African

Sammlung zeitgenössischer Kunst, haben viel dazu beigetragen, vielen Mythen und Vorurteilen entgegenzuwirken, die zeitgenössische afrikanische Kunst heimsuchen. Die Ernennung des Nigerianers Okwui Enwezor zum künstlerischen Leiter der Documenta 11 und seine afrikanisch orientierte Kunstvision trieben die Karrieren unzähliger afrikanischer Künstler auf die internationale Bühne.

Eine breite Palette mehr oder weniger traditioneller Kunstformen oder Anpassungen des traditionellen Stils an den zeitgenössischen Geschmack werden an Touristen und andere verkauft, einschließlich der sogenannten "Flughafenkunst". Eine Reihe lebhafter populärer Traditionen assimilieren westliche Einflüsse in afrikanische Stile wie die kunstvollen Fantasiesärge im Süden Ghanas, die in einer Vielzahl von verschiedenen Formen hergestellt werden, die die Berufe oder Interessen der Verstorbenen repräsentieren oder ihren Status erhöhen. Die Ga glauben, dass eine aufwendige Beerdigung dem Status ihrer Lieben im Jenseits zugute kommt, daher scheuen Familien oft keine Kosten, wenn sie entscheiden, welchen Sarg sie für ihre Verwandten haben möchten. [28] Diese Särge können die Form von Autos, Kakaoschoten, Hühnern oder jeder anderen Form annehmen, die eine Familie am besten repräsentiert, um ihren verstorbenen Angehörigen zu repräsentieren. [29]

Pop-Art und Werbekunst Bearbeiten

Kunst, mit der für lokale Unternehmen, darunter Friseurläden, Kinos und Haushaltsgeräte, geworben wurde, wurde in Galerien international gefeiert und hat die Karriere vieler zeitgenössischer afrikanischer Künstler gestartet, von Joseph Bertiers aus Kenia bis hin zu mehreren Filmplakatmalern in Ghana. [30] Ghanaische handgemalte Filmplakate auf Leinwand und Mehlsack aus den 1980er und 1990er Jahren wurden in Museen auf der ganzen Welt ausgestellt und lösten durch ihre fantasievollen und stilisierten Darstellungen westlicher Filme virale Aufmerksamkeit in den sozialen Medien aus. [31] [32] Diese kreative Interpretation der westlichen Kultur durch afrikanische Kunststile wird auch mit der Tradition der Lobpreisporträts internationaler Prominenter gezeigt, die oft als Schaufenster-Werbekunst dienten und seitdem in der globalen Kunst weit geschätzt und gesammelt wurden Markt.

Minimalistische afrikanische Kunst Bearbeiten

Ein weiterer bemerkenswerter zeitgenössischer afrikanischer Künstler ist Amir Nour, ein sudanesischer Künstler, der derzeit in Chicago lebt. In den 1960er Jahren schuf er eine Metallskulptur namens Weiden bei Shendi (1969) die aus geometrischen Formen besteht, die sich mit seiner Erinnerung an seine Heimat verbinden. [33] Die Skulptur gleicht in der Ferne weidenden Schafen. Er schätzte es, Kunst innerhalb der Gesellschaft des Künstlers zu entdecken, einschließlich Kultur, Tradition und Hintergrund. [34]

Westafrika Bearbeiten

Ghana Bearbeiten

Ghana ist berühmt für die Herstellung der berühmtesten in echt afrikanischen Ausdrucksformen und Fabrikate, diese reichen von Holzschnitzereien, Messingarbeiten, Figuren, Edelsteinen und verschiedenen Arten von Materialien. Ghana ist immer noch bekannt als eine Nation mit endlosen Reserven an Mineralien wie Gold, Diamanten, Silber, Bronze usw. Ghana bietet Handwerkern viele Hilfestellungen bei der Herstellung und Gestaltung von Schmuck, egal ob zeitgenössisch oder traditionell.

Ein Kente ist ein traditionelles, mehrfarbiges, handgewebtes, gestepptes Tuch. Es ist auch eine Art Seiden- und Baumwolltextur aus ineinander verschlungenen Stoffstreifen. Das Tuch ist von zentraler Bedeutung für die ghanaische Kultur und wird auch traditionell als Kette für Männer und Frauen getragen, mit leicht unterschiedlichen Variationen für beide. Dieser Stoff wird fast von jedem ghanaischen Stammesmitglied getragen.

Es gibt verschiedene Farbvarianten für die Kente, jede Farbe hat unterschiedliche Bedeutungen. Hier sind einige Beispiele:

Die Kunst der Akan entstand unter dem Volk der Akan. Akan-Kunst ist bekannt für lebendige künstlerische Traditionen, darunter Textilien, Skulpturen, Akan-Goldgewichte sowie Gold- und Silberschmuck. Die Akan sind bekannt für ihre starke Verbindung zwischen visuellen und verbalen Ausdrücken und eine unverwechselbare Mischung aus Kunst und Philosophie. Die Akan-Kultur schätzt Gold vor allen anderen Metallen und glaubt, dass es die übernatürlichen Elemente hinter vielen Dingen darstellen kann, einschließlich königlicher Autorität und kultureller Werte. Die Asante, eine vorherrschende Akan-sprachige Kultur in Ghana, gehen auf die Ankunft eines goldenen Hockers zurück, der heute die Seele der Asante-Nation in sich trägt. Gold galt als irdisches Gegenstück zur Sonne und wurde oft in der Kunst verwendet, um die Bedeutung des Königs zu zeigen, was es zu einer wesentlichen Darstellung ihrer kulturellen und sozialen Werte machte. [35] Kente-Tuch ist eine weitere äußerst wichtige Kunsttradition der Akan-Kultur. Die Tradition besagt, dass Kente-Stoffe entstanden, als Weber versuchten, die Webfähigkeiten von Spinnen mit ihren Netzen zu kopieren. Kente-Tuch ist weltweit bekannt für seine Farben und Muster. Sein ursprünglicher Zweck war es, königliche Macht und Autorität darzustellen, ist aber heute zu einem Symbol der Tradition geworden und wurde von mehreren anderen Kulturen übernommen. [36]

Ashanti Trophäenkopf um 1870 Reingold Wallace Collection (London). Dieses Kunstwerk stellt einen feindlichen Häuptling dar, der im Kampf getötet wurde. Weighing 1.5 kg (3.3 lb), it was attached to the Asante king's state sword

Soul washer badge (Akrafokonmu) 18th-19th century gold Metropolitan Museum of Art (New York City)

Calabash adinkra stamps carved in Ntonso (Ghana)

Nigeria Edit

Nigerian culture is illustrated through art and folklore. Nigeria draws its inspiration for their art from traditional folk heritage of the region. There are different types of artwork from the Nigerian culture. Some of these works of art can be stone carvings, potteries, glass work, wood carvings and bronze works. Benin and Awka are considered to be the central places for wood carving. Woodcarvers have been thriving throughout the south of Nigeria from time immemorial.

Examples of Nigerian Traditional Art

Masks are a piece of the animist confidence of the Yoruba individuals. The veils are painted, and fans wear them at memorial services and different functions to mollify the spirits.

Pottery has a long custom in Nigeria. Pottery was well known from 100 B.C. These days Suleja, Abuja and Ilorin are viewed as significant figures of customary ceramics. Potters in Nigeria are frequently female, and usually practice for the methods to be passed on through families.

Yorubas utilize a bush to make indigo-shaded batik-colored fabric. Ladies generally do the withering, while in the north, the specialty is drilled only by men. Weavers everywhere throughout the nation produce a splendid texture with ribbon structures. Oyo state is known for its fine loom materials while fabric from Abia state utilizes a broadloom strategy.

The Nok culture is an early Iron Age population whose material remains are named after the Ham village of Nok in Kaduna State of Nigeria, where their famous terracotta sculptures were first discovered in 1928. The Nok Culture appeared in northern Nigeria around 1500 BC [22] and vanished under unknown circumstances around 500 AD, thus having lasted approximately 2,000 years. [37]

The function of Nok terracotta sculptures remains unknown. For the most part, the terracotta is preserved in the form of scattered fragments. That is why Nok art is best known today only for the heads, both male and female, whose hairstyles are particularly detailed and refined. The statues are in fragments because the discoveries are usually made from alluvial mud, in terrain made by the erosion of water. The terracotta statues found there are hidden, rolled, polished, and broken. Rarely are works of great size conserved intact making them highly valued on the international art market. The terracotta figures are hollow, coil built, nearly life-sized human heads and bodies that are depicted with highly stylized features, abundant jewelry, and varied postures.

Little is known of the original function of the pieces, but theories include ancestor portrayal, grave markers, and charms to prevent crop failure, infertility, and illness. Also, based on the dome-shaped bases found on several figures, they could have been used as finials for the roofs of ancient structures. Margaret Young-Sanchez, Associate Curator of Art of the Americas, Africa, and Oceania in The Cleveland Museum of Art, explains that most Nok ceramics were shaped by hand from coarse-grained clay and subtractively sculpted in a manner that suggests an influence from wood carving. After some drying, the sculptures were covered with slip and burnished to produce a smooth, glossy surface. The figures are hollow, with several openings to facilitate thorough drying and firing. The firing process most likely resembled that used today in Nigeria, in which the pieces are covered with grass, twigs, and leaves and burned for several hours.

As a result of natural erosion and deposition, Nok terracottas were scattered at various depths throughout the Sahel grasslands, causing difficulty in the dating and classification of the mysterious artifacts. Two archaeological sites, Samun Dukiya and Taruga, were found containing Nok art that had remained unmoved. Radiocarbon and thermo-luminescence tests narrowed the sculptures’ age down to between 2,000 and 2,500 years ago, making them some of the oldest in Western Africa. Many further dates were retrieved in the course of new archaeological excavations, extending the beginnings of the Nok tradition even further back in time. [38]

Because of the similarities between the two sites, archaeologist Graham Connah believes that "Nok artwork represents a style that was adopted by a range of iron-using farming societies of varying cultures, rather than being the diagnostic feature of a particular human group as has often been claimed."

Nok seated figure 5th century BC – 5th century AD terracotta 38 cm (1 ft. 3 in.) Musée du quai Branly (Paris). In this Nok work, the head is dramatically larger than the body supporting it, yet the figure possesses elegant details and a powerful focus. The neat protrusion from the chin represents a beard. Necklaces from a cone around the neck and keep the focus on the face.

Relief fragment with heads and figures 5th century BC – 5th century AD length: 50 cm (19.6 in.), height: 54 cm (21.2 in.), width: 50 cm (19.6 in.) terracotta Musée du quai Branly. As most African art styles, the Nok style focuses mainly on people, rarely on animals. All of the Nok statues are very stylized and similar in that they have this triangular shape eye with a perforated pupil, with arched eyebrows.

Male head 550–50 BC terracotta Brooklyn Museum (New York City, USA). The mouth of this head is slightly open. It maybe suggests speech, that the figure has something to tell us. This is a figure that seems to be in the midst of a conversation. The eyes and the eyebrows suggest an inner calm or an inner serenity.

Benin art Edit

Benin art is the art from the Kingdom of Benin or Edo Empire (1440–1897), a pre-colonial African state located in what is now known as the South-South region of Nigeria. The Benin Bronzes are a group of more than a thousand metal plaques and sculptures that decorated the royal palace of the Kingdom of Benin in what is now modern-day Nigeria. [a] Collectively, the objects form the best-known examples of Benin art, created from the thirteenth century onwards, by the Edo people, which also included other sculptures in brass or bronze, including some famous portrait heads and smaller pieces.

In 1897 most of the plaques and other objects in the collection were taken by a British force during the Benin Expedition of 1897, which took place as British control in Southern Nigeria was being consolidated. [41] Two hundred of the pieces were taken to the British Museum, while the rest were purchased by other museums in Europe. [42] Today, a large number are held by the British Museum, [41] as well as by other notable collections in German and American museums. [43]

Bronze Head of Queen Idia early 16th century bronze Ethnological Museum of Berlin (Germany). Four cast bronze heads of the queen are known and are currently in the collections of the British Museum, the World Museum (Liverpool), the Nigerian National Museum (Lagos) and the Ethnological Museum of Berlin

Leopard aquamanile 17th century brass Ethnological Museum of Berlin. The bronze leopards were used to decorate the altar of the oba. The leopard, a symbol of power, appears in many bronze plaques, from the oba's palace

Benin ivory mask of the Queen Mother Idia 16th century ivory, iron & copper Metropolitan Museum of Art. One of four related ivory pendant masks among the prized regalia of the Oba of Benin taken during the Benin Expedition of 1897 in the Southern Nigeria Protectorate

Igbo Edit

The Igbo produce a wide variety of art including traditional figures, masks, artifacts and textiles, plus works in metals such as bronze. Artworks form the Igbo have been found from as early as the 9th century with the bronze artifacts found at Igbo Ukwu. Their masks are similar with the Fang ones, being white and black in about same parts.

Maiden spirit mask early 20th century wood & pigment Brooklyn Museum (New York City, USA)

A mask known as the Queen of Women (Eze Nwanyi) late 19th-early 20th century wood & pigment Birmingham Museum of Art (Alabama, USA)

Bronze ceremonial vessel in form of a snail shell 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum (Lagos, Nigeria)

Bronze ornamental staff head 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum

Female figure for a small temple 20th century Indianapolis Museum of Art

Igbo wooden complex, currently in the British Museum

Garment 1950-1975 cotton Indianapolis Museum of Art

Yoruba Edit

Yoruba art is best known for the heads from Ife, made of ceramic, brass and other materials. Much of their art is associated with the royal courts. They also produced elaborate masks and doors, full of details and painted in bright colors, such as blue, yellow, red and white.

Head of a king or dignitary 12th–15th century AD terracotta Ethnological Museum of Berlin (Germany) discovered at Ife (Nigeria)

Mask for Obalufon II circa 1300 AD copper height: 29.2 cm discovered at Ife Ife Museum of Antiquities (Ife, Nigeria) [44]

Mask with 7 birds 19th-20th century Detroit Institute of Arts (USA)

Mask with superstructure and two birds 19th–20th century Detroit Institute of Arts

Headgear circa 1900-1915 Detroit Institute of Arts

Pair of door panels and a lintel circa 1910–1914 by Olowe of Ise (British Museum, London)

Carnival mask circa 1950 Indianapolis Museum of Art (USA)

Other ethnic groups of Nigeria Edit

Carved door circa 1920-1940 wood with iron staples by Nupe people Hood Museum of Art (Hanover, New Hampshire, USA)

Headdress early 1900s wood, antelope skin, basketry, cane, metal by Ejagham people Cleveland Museum of Art (USA)

Headdress early 1900s wood, hair Idoma people Cleveland Museum of Art

Otobo (hippopotamus) mask by Kalabari people British Museum (London)

Mali Edit

The primary ethnic groups in Mali are the Bambara (also known as Bamana) and the Dogon. Smaller ethnic groups consist of the Marka, and the Bozo fisherman of the Niger River. Ancient civilizations flourished in areas like Djene and Timbuktu, where a great variety of ancient bronze and terra-cotta figures have been unearthed.

Djenné-Djenno Edit

Djenné-Djenno is famous for its figurines which depict humans and animals including snakes and horses. They are made of terracotta, a material that has been used in West Africa for some ten thousand years.

Female figure 13th-–15th century terracotta covered with red ochre height: 37.5 cm (14.7 in.), width: 31 cm (12.2 in.), depth: 24 cm (9.4 in.) Musée du quai Branly (Paris)

Equestrian figure 13th–15th century height: 70.5 cm National Museum of African Art (Washington D.C., USA)

Male figure 14th-17th century Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

Bambara Edit

The Bambara people (Bambara: Bamanankaw) adapted many artistic traditions and began to create display pieces. Before money was the main drive of creation of their artworks they used their abilities solely as a sacred craft for display of spiritual pride, religious beliefs and display of customs. Example artworks include the Bamana n'tomo mask. Other statues were created for people such as hunters and farmers so others could leave offerings after long farming seasons or group hunts. The stylistic variations in Bambara art are extreme sculptures, masks and headdresses display either stylized or realistic features, and either weathered or encrusted patinas. Until quite recently, the function of Bambara pieces was shrouded in mystery, but in the last twenty years, field studies have revealed that certain types of figures and headdresses were associated with a number of the societies that structure Bambara life. During the 1970s a group of approximately twenty figures, masks and TjiWara headdresses belonging to the so-called 'Segou style' were identified. The style is distinct and recognizable by its typical flat faces, arrow-shaped noses, all-over body triangular scarifications and, on the figures, splayed hands.

There are three major and one minor type of Bambara mask. The first type, used by the N'tomo society, has a typical comb-like structure above the face, is worn during dances and may be covered with cowrie shells. The second type of mask, associated with the Komo society, has a spherical head with two antelope horns on the top and an enlarged, flattened mouth. They are used during dances, but some have a thickly encrusted patina acquired during other ceremonies in which libations are poured over them.

The third type has connections with the Nama society and is carved in the form of an articulated bird's head, while the fourth, minor type, represents a stylized animal head and is used by the Kore society. Other Bambara masks are known to exist, but unlike those described above, they cannot be linked to specific societies or ceremonies. Bambara carvers have established a reputation for the zoomorphic headdresses worn by Tji-Wara society members. Although they are all different, they all display a highly abstract body, often incorporating a zig-zag motif, which represents the sun's course from east to west, and a head with two large horns. Bambara members of the Tji-Wara society wear the headdress while dancing in their fields at sowing time, hoping to increase the crop yield.

Bambara statuettes are primarily used during the annual ceremonies of the Guan society. During these ceremonies, a group of up to seven figures, measuring from 80 to 130 cm in height, are removed from their sanctuaries by the elder members of the society. The sculptures are washed, re-oiled and sacrifices are offered to them at their shrines. These figures – some of which date from between the 14th and 16th centuries – usually display a typical crested coiffure, often adorned with a talisman.

Two of these figures were ascribed great significance: a seated or standing maternity figure called Guandousou – known in the West as 'Bambara Queen' – and a male figure called Guantigui, who usually appears holding a knife. The two figures were surrounded by Guannyeni attendant figures standing or seated in various positions, holding a vessel, or a musical instrument, or their breasts. During the 1970s, numerous fakes from Bamako which were based on these sculptures entered the market. They were produced in Bamako.

Other Bambara figures, called Dyonyeni, are thought to be associated with either the southern Dyo society or the Kwore society. These female or hermaphrodite figures usually appear with geometric features such as large conical breasts and measure between 40 and 85 cm in height. The blacksmith members of the Dyo society used them during dances to celebrate the end of their initiation ceremonies. They were handled, held by dancers and placed in the middle of the ceremonial circle.

Among the corpus of Bambara figures, Boh sculptures are perhaps the best known. These statues represent a highly stylized animal or human figure, and are made of wood which is repeatedly covered in thick layers of earth impregnated with sacrificial materials such as millet, chicken or goat blood, kola nuts and alcoholic drinks. They were employed by the Kono and the Komo societies and served as receptacles for spiritual forces, and could, in turn, be used for apotropaic purposes.

Each special creative trait a person obtained was seen as a different way to please higher spirits.

Dogon Edit

Dogon art consists primarily of sculptures. Their art revolves around Dogon religious values, ideals, and freedoms (Laude, 19). Dogon sculptures are not made to be seen publicly, and are commonly hidden from the public eye within the houses of families, sanctuaries, or kept with the Hogon (Laude, 20). The importance of secrecy is due to the symbolic meaning behind the pieces and the process by which they are made.

Themes found throughout Dogon sculpture consist of figures with raised arms, superimposed bearded figures, horsemen, stools with caryatids, women with children, figures covering their faces, women grinding pearl millet, women bearing vessels on their heads, donkeys bearing cups, musicians, dogs, quadruped-shaped troughs or benches, figures bending from the waist, mirror-images, aproned figures, and standing figures (Laude, 46–52). Signs of other contacts and origins are evident in Dogon art. The Dogon people were not the first inhabitants of the cliffs of Bandiagara. Influence from Tellem art is evident in Dogon art because of its rectilinear designs (Laude, 24).

Dogon art is extremely versatile, although common stylistic characteristics – such as a tendency towards stylization – are apparent on the statues. Their art deals with the myths whose complex ensemble regulates the life of the individual. The sculptures are preserved in innumerable sites of worship, personal or family altars, altars for rain, altars to protect hunters, in market. As a general characterization of Dogon statues, one could say that they render the human body in a simplified way, reducing it to its essentials. Some are extremely elongated with emphasis on geometric forms. The subjective impression is one of immobility with a mysterious sense of a solemn gravity and serene majesty, although conveying at the same time a latent movement. Dogon sculpture recreates the hermaphroditic silhouettes of the Tellem, featuring raised arms and a thick patina made of blood and millet beer. The four Nommo couples, the mythical ancestors born of the god Amma, ornament stools, pillars or men's meeting houses, door locks, and granary doors. The primordial couple is represented sitting on a stool, the base of which depicts the earth while the upper surface represents the sky the two are interconnected by the Nommo. The seated female figures, their hands on their abdomen, are linked to the fertility cult, incarnating the first ancestor who died in childbirth, and are the object of offerings of food and sacrifices by women who are expecting a child.

Kneeling statues of protective spirits are placed at the head of the dead to absorb their spiritual strength and to be their intermediaries with the world of the dead, into which they accompany the deceased before once again being placed on the shrines of the ancestors. Horsemen are reminders of the fact that, according to myth, the horse was the first animal present on earth. The Dogon style has evolved into a kind of cubism: ovoid head, squared shoulders, tapered extremities, pointed breasts, forearms, and thighs on a parallel plane, hairdos stylized by three or four incised lines. Dogon sculptures serve as a physical medium in initiations and as an explanation of the world. They serve to transmit an understanding to the initiated, who will decipher the statue according to the level of their knowledge. Carved animal figures, such as dogs and ostriches, are placed on village foundation altars to commemorate sacrificed animals, while granary doors, stools and house posts are also adorned with figures and symbols.

There are nearly eighty styles of masks, but their basic characteristic is great boldness in the use of geometric shapes, independent of the various animals they are supposed to represent. The structure of a large number of masks is based on the interplay of vertical and horizontal lines and shapes. Another large group has triangular, conic shapes. All masks have large geometric eyes and stylized features. The masks are often polychrome, but on many the color is lost after the ceremonies they were left on the ground and quickly deteriorated because of termites and other conditions. The Dogon continue an ancient masquerading tradition, which commemorates the origin of death. According to their myths, death came into the world as a result of primeval man's transgressions against the divine order. Dama memorial ceremonies are held to accompany the dead into the ancestral realm and restore order to the universe. The performance of masqueraders – sometimes as many as 400 – at these ceremonies is considered absolutely necessary. In the case of the dama, the timing, types of masks involved, and other ritual elements are often specific to one or two villages and may not resemble those seen in locations only several kilometres distant. The masks also appear during baga-bundo rites performed by small numbers of masqueraders before the burial of a male Dogon. Dogon masks evoke the form of animals associated with their mythology, yet their significance is only understood by the highest ranking cult members whose role is to explain the meaning of each mask to a captivated audience.


13 Tips To Understand Revit Base Points And Coordinate System

Revit coordinate system is very confusing. Even after 7 years of Revit experience, I still needed hours of research, investigation and experiments to build this guide.

This post covers a lot of ground. You will learn about the mysterious, super secret Revit Internal Origin. You will learn the difference between a Survey Point and a Project Base Point. You will learn how to properly use the True North and the Project North. Good luck.

Edit: we’ve just added a complete video tutorial on this topic! Check it out:

Edit #2: Are you using Revit 2020.2 or a more recent version? There has been a few changes to coordinates. Read our post about the update.

1- UNDERSTAND THE DIFFERENCE BETWEEN ALL 3 COORDINATE ORIGIN POINTS

There are 3 different origin points in a Revit project: the Project Base Point, the Survey Point and the secret Internal Origin.

PROJECT BASE POINT: This point is used almost exclusively for internal purpose. It is used to place dimensions relatively to the building. It is represented by a blue circle with a cross in the middle. It can also be used to set the angle difference between the True North and the Project North.

SURVEY POINT: This is used to create a "shared coordinates" system among multiple linked Revit or CAD files. That means it's location is most useful when exporting and importing files. It is usually placed relatively to the Site.

INTERNAL ORIGIN: This is the tricky one. This point is invisible and cannot be moved. Most users don't even know it exists. By default, importing or exporting a CAD or Revit file will be made relatively to this super secret point, therefore confusing many people.

2- LOCATE THE INTERNAL ORIGIN

Now that you are aware of this super secret internal origin, you should locate it in a plan view using reference planes. Actually, you should locate it in your Revit Template so you will be able to track it's location for all new projects.

To locate the point, go to your site plan and make sure the Project Base Point is set to visible in the Visibility/Graphics settings.

The next step is to select the project base point and click on the clip icon. A red dash should appear on the icon. The next step is to right-click on the project base point and select "Move to Startup Location"

The project base point should now be located at the exact same spot as the Internal Origin. Mark this spot in the project by creating two reference planes that intersect at the point. You should also add a text note to indicate the location to other users.

The 3 origin points not only have X/Y coordinates, but also a Z-axis elevation. Therefore, you should open an elevation view and unhide the Project Base Point and Survey Point. Create a third reference plane to indicate the height location of the Internal Origin.

3- BY DEFAULT, SET THE 3 ORIGINS AT THE SAME SPOT

In most project, the Project Base Point, the Survey Point and the Internal Origin can all remain in the same spot without any problem. In your template, make sure they all fit together in a corner of your building, at the intersection of grids A and 1.

While the default stance is to keep these points together, the next tips will teach you in which case they should be moved.

4- TOPOSURFACE IS RELATIVE TO INTERNAL ORIGIN

The 3 origins points each can have a different elevation value. When creating a toposurface, you have to set values refering to Absolute Elevation. This value is relative to the Internal Origin.

5- SET LEVELS RELATIVE TO PROJECT BASE POINT

In most projects, it is a smart move to set the project first level at 100'-0'' or 10 000mm. This is an arbitrary value that has no relation to the sea level. The best practice is to set this value in relation to the Project Base Point. Select a level, click on Edit Type and make sure that the Elevation Base is set to Project Base Point.

6- USE THE INTERNAL ORIGIN AS SEA LEVEL = 0

In a project where you want to spot elements in relation to the sea level, you should use the Internal Origin to represent sea level 0.

In this example, the 10 000mm project level fits the 4 835mm sea level. That means we have to move the Project Base Point so it is 5 165mm below the Internal Origin base elevation.

If you want to spot any element in your project in relation to the sea level, create a new Spot Elevation tag that use Relative as the Elevation Origin.

Placing the Project Base Point relatively to the Internal Origin should be your first move when starting a project. Else, you won't be able to model the site using the sea level elevation values.

In a project where the site and project are already modeled without using the sea elevation, the solution is to use the Survey Point as the sea level origin. If you want to model the toposurface with sea level elevation, your best bet is to use a linked site model.

7- CREATE A SPOT COORDINATE FOR EACH ORIGIN

The Spot Coordinate tool is used to specify coordinate relatively to one of the 3 origin. You can find this tool in the Annotate tab.

In your template, it is a smart move to create a Spot Coordinate for each of the 3 origin type. Edit the type of the spot coordinate and use the duplicate tool. Scroll down the settings options and you will see the Coordinate Origin parameter. Create a different tag for all 3 origins (Survey, Project Base and Internal). Relative refers to the Internal Origin of the project.

Once you are done, you should have 3 different Spot Coordinate types like in this image.

As you can see in the image below, each spot coordinate are used to spot the same element. However, they indicate different data since they each refer to a different origin. These tags can be useful when you are confused about the location of the origin or of a specific element.

Do you like this blog post? Make sure to check out our popular BASICS 2021 learning package. Use code 2021 to get 25% off.

8- UNCLIP PROJECT BASE POINT BEFORE MOVING IT

If you want your project base point to be in a different spot than the internal origin, you have to move it. However, if you try to move it, everything in the project will also move except the survey point.

To avoid this issue, unclip the project base point first. Move it to the proper emplacement, then clip it again. As you see, the coordinates will be changed: the N/S and E/W coordinates are always relative to the Survey Point.

9- NEVER UNCLIP THE SURVEY POINT

While unclipping the project base point is the standard procedure before moving it, you should never unclip the Survey Point. If you unclip and move the Survey Point, you will cause a lot of pain, horror and confusion for people working in your model.

The only thing that moving an unclipped survey point will do is to move the icon representation of the survey point, not the survey point itself. There is absolutey no reason to ever make such a move.

If you click a survey point and you see something else than 0,0,0 coordinates, that means someone messed up and decided to move an unclipped survey point. Simply change the values back to 0,0,0.

*Edit: Turns out some people like to move an unclipped survey point. Steve Stafford explains in which case that might be useful in this post on his Revit OpEd blog. For the sake of simplicity, I would still recommend never unclipping the Survey Point, unless you have a really good reason.

10- USE PROJECT BASE POINT TO SET THE TRUE NORTH

Each project contains a Project North and a True North. The Project North is a virtual orientation used to model your project so it is orthogonal to your screen. The True North is a real-world north used to properly locate the orientation of your building. To set a True North value, select the Project Base Point and enter the angle.

In the view properties of each view, you can specify the orientation you want to use. In almost all cases, Project North will be used.

Revit weirdness alert: although the True North value is set in the Project Base Point, the value is actually embedded in the Survey Point. Even weirder: you can have multiple Survey Points in a project. That means you can have many multiple True North value in a single project. Strange, huh?

11- SET THE CAD EXPORT COORDINATE SETTINGS

Most users are confused about the project origin when exporting to CAD. The reason is that the Internal Origin is used by default. You can access the exportation options by going to File/Export/CAD Format and by clicking the 3 small dots next to the Select Export Setup menu. Go to the Units & Coordinates tab.

If you export a Revit view to DWG, the default setting is Project internal. That setting will use the Internal Origin as the 0,0,0 point location in AutoCAD.

The other option is called Shared. This will use the Survey Point as the 0,0,0 point in AutoCAD.

Watch out: If you are using the Shared setting and you entered an angle value for the True North, the project will appear rotated once opened in AutoCAD. To avoid this issue, export the sheet where the view is placed instead of exporting the view.

12- USE LINK CAD TO SET THE SURVEY POINT AS THE ORIGIN

The Link CAD tool has more positioning options available than Import CAD. If you want to use the Survey Point as the origin for the CAD file, you have to use Link CAD and select By Shared Coordinates. Else, the Origin to Origin option will match the Revit file Internal Origin to the DWG 0,0,0 point.

13- USE ORIGIN TO ORIGIN WHEN LINKING REVIT FILE

Revit offers a fancy "Shared Site" and "Shared Coordinates" system to link Revit files. but the truth is that you don't need to use these feature in 90% of projects. Das Origin to Origin tool works perfectly fine. This option will match the models Internal Origins.

When linking a model, it is a wise move to PIN it immediately. If it moves around by mistake, right-click the model and use the "Reposition to Internal Origin" tool.

There is a few cases where you might want to use the Shared Coordinates system when linking Revit models. Check out the pamphlet below to learn more.

WANT MORE TIPS? DOWNLOAD THE FREE PAMPHLET.

There is even more weirdness to learn about coordinates. Want to know how to create a shared site? How to create multiple survey points and true norths? Our brand new quarterly free pamphlet publication was just released. It contains this whole blog post with extra tips inside an epic 28 pages PDF.


MapImageLayerManager¶

allows administration (if access permits) of ArcGIS Online hosted map image layers. A map image layer offers access to map and layer content.

The cancel job operation supports cancelling a job while update tiles is running from a hosted feature service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

delete_tiles ( levels , extent = None ) ¶

Deletes tiles for the current cache

Beschreibung

optional dictionary, If specified, the tiles within this extent will be deleted or will be deleted based on the service’s full extent. Example: 6224324.092137296,487347.5253569535, 11473407.698535524,4239488.369818687 the minx, miny, maxx, maxy values or, <“xmin”:6224324.092137296,”ymin”:487347.5253569535, “xmax”:11473407.698535524,”ymax”:4239488.369818687, “spatialReference”:<“wkid”:102100>> the JSON representation of the Extent object.

required string, The level to delete. Example, 0-5,10,11-20 or 1,2,3 or 0-5

edit_tile_service ( service_definition = None , min_scale = None , max_scale = None , source_item_id = None , export_tiles_allowed = False , max_export_tile_count = 100000 ) ¶

This operation updates a Tile Service’s properties

service_definition - updates a service definition min_scale - sets the services minimum scale for caching max_scale - sets the service’s maximum scale for caching source_item_id - The Source Item ID is the GeoWarehouse Item ID of the map service export_tiles_allowed - sets the value to let users export tiles max_export_tile_count - sets the maximum amount of tiles to be exported

Beschreibung

Required ItemId or Item. The TPK file’s item id. This TPK file contains to-be-extracted bundle files which are then merged into an existing cache service.

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Optional Boolean. Default is false and applicable to compact cache storage format. It controls whether the bundle files from the TPK file are merged with the one in the existing cached service. Otherwise, the bundle files are overwritten.

Optional Boolean. Default is false, applicable to compact cache storage format and used when merge=true. It controls whether the new tiles will replace the existing ones when merging bundles.

Returns the job statistics for the given jobId

refresh ( service_definition = True ) ¶

The refresh operation refreshes a service, which clears the web server cache for the service.

The rerun job operation supports re-running a canceled job from a hosted map service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

Beschreibung

required string, parameter used to re-run a given jobs with a specific error code: ALL | ERROR | CANCELED

required string, job to reprocess

update_tiles ( levels = None , extent = None ) ¶

The starts tile generation for ArcGIS Online. The levels of detail and the extent are needed to determine the area where tiles need to be rebuilt.

..Note: This operation is for ArcGIS Online only.

Beschreibung

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Dictionary. If the product is not ArcGIS Online tile service, the result will be None.


The enumitem package might be useful, combined with some package listed in the Comprehensive Symbol List:

where i , ii , iii , etc. refer to the current bullet level.

One possible way to accomplish it is.

First, include amssymb package by adding the line usepackage in the preamble of your document.

The list of all keywords like square, checkmark etc. can be found in amssymb package documentation. Visit: http://milde.users.sourceforge.net/LUCR/Math/mathpackages/amssymb-symbols.pdf

will change that item's bullet to a diamond. This works on a per item basis.